Hay una cuestión que preocupa a muchos alumnos de la asignatura
Técnicas y Medios Artísticos del Grado de Historia del Arte
y es la realización del comentario de la obra de arte
desde la perspectiva precisamente de las técnicas artísticas.
Jesús López Díaz, que es profesor de esta materia en la UNED,
nos explica
cuáles son las principales dificultades que podemos encontrarnos
a la hora
de hacer este tipo de comentario y también cómo podemos solucionarlas.
Como hemos visto, esta asignatura engloba todas las técnicas
y algunas lógicamente, para el día del examen,
que es más fácil comentarlas con una imagen delante.
Sin embargo, por ejemplo, es mucho más difícil
reproducir un dibujo, aunque sean técnicas
bastante fáciles de reconocer, como es la sanguina, como es el pastel
y comentar con tres o cuatro líneas se describe lo que es
ese tipo de técnica. No?
Porque ahora ese comentario
artístico y artístico no entra en esta asignatura.
Cuando luego veamos en el Renacimiento,
por ejemplo, los dibujos, que es una técnica
que se utiliza mucho en el siglo 16, entonces sí que tiene sentido.
Lo primero,
describir la técnica y a continuación hacer un comentario artístico.
Por eso, por ejemplo, ahora mismo lo interesante es tener muy claros
los conceptos, saber un poco la historia,
todas estas técnicas, dónde vienen los materiales, los soportes.
Conocer un poco en profundidad todo eso y conocer bien los términos
que realmente bueno, pues hay un vocabulario extenso.
No es difícil,
ya digo, en el tema del dibujo, en el tema de las artes industriales,
simplemente viendo la imagen, saber hacer una buena descripción.
Y somos conscientes de ello.
Pero eso tampoco vamos a exigir un conocimiento visual perfecto.
En el caso concreto de la escultura, Genoveva Tusell,
profesora de Historia del Arte en la UNED, nos explica
cómo empezar a hacer un comentario sobre este tipo de obras.
El comentario de una obra escultórica debe comenzar refiriéndose
lógicamente al material en el que está realizada.
Puede ser madera, terracota, piedra, bronce, etcétera
El acabado de las obras puede variar la percepción que tenemos de ellas,
pues en el caso de la madera puede llevar una capa de policromía,
o la piedra o el bronce pueden presentar un aspecto distinto
según el pulimento que realiza el artista.
Después es importante identificar el método, la técnica
con la que ha sido realizada
el modelado, la talla, el vaciado o un procedimiento mixto.
Se trata de técnicas de ejecución muy distintas
que se basan en la adición o la sustracción de material.
El trabajo con materiales en estado líquido o el ensamblaje de piezas.
Veamos un
caso práctico para que la obra sea lo bastante conocida.
Hemos pedido a la profesora Tusell
que nos hable sobre el David de Miguel Ángel,
realizado en mármol entre 1501 y 1504,
y que se encuentra en la galería de la Academia de Florencia.
Ahora representa al rey bíblico David con una onda en el momento previo
a enfrentarse a Goliat.
El escultor emplea la técnica de la talla y elabora primero
un boceto, dibujos y modelos de cera y terracota
a pequeña escala antes de comenzar a labrar
un bloque de mármol de Carrara de algo menos de cinco metros y medio,
sin metas o imperfecciones.
El artista emplea el método de la talla indirecta
utilizando el boceto previo como referencia para realizar la talla.
Sin embargo, Miguel Ángel
pasa directamente de estos estudios preliminares al trabajo
sobre el mármol, sin realizar previamente un modelo de yeso
a escala real, como hacían otros artistas de la época.
El escultor se sirve de un cincel y un martillo para desgastar
y tallar el mármol.
Para el artista, la obra está dentro de la piedra.
Sólo hay que liberar la figura.
Lo más habitual es que, dada la dificultad
que entraña el tallado de un material duro como la piedra
y ante la imposibilidad de realizar cualquier rectifica ción,
el artista realice previamente un boceto a escala real, en barro
o en yeso, que le sirva de guía para labrar la piedra.
El escultor traslada entonces una serie de medidas desde el modelo
al bloque, a partir de una serie de puntos que toma.
Se utilizan instrumentos como la plomada
o a partir del siglo 15, el definidor que proporciona
una serie de coordenadas al escultor antes de proceder al tallado.
Es importante referirse al proceso final de alimentación de la obra,
un proceso que se utiliza ya desde la escultura griega
para resaltar determinados aspectos de una obra en su David.
Miguel Ángel nos ofrece
una diferencia de texturas entre el rostro y el
pelo, mucho menos pulimento.
En el que el mármol aparece mucho más rugoso
ofreciendo un juego de luces y de sombras
muy diferente técnicamente.
Es, por ejemplo, el conocido auriga de Delfos,
realizado en la primera mitad del siglo 5.º
antes de Cristo, dentro del primer clasicismo griego.
En él se emplea la técnica de la cera perdida,
construyendo un modelo de cera sobre una armadura de hierro
que se recubre de arcilla, realizando canales
para que salga la cera y los gases de la cocción del horno.
El calor endurece la arcilla, derritiendo la cera
que deja un espacio
por el que posteriormente se vierte el bronce en estado líquido.
Una vez retirada la arcilla, se daba el acabado final a la obra.
En este caso,
al tratarse de una pieza de mayor tamaño,
lo que se hace es fundirla en diez piezas la cabeza, el torso,
la parte inferior, los brazos y los pies.
Y después estas diez piezas se sueldan.
Una vez compuesta la figura, se da el acabado final
mediante cincel, dotándola de un gran realismo y añadiéndole
detalles como las pestañas o la pasta vítrea de los ojos.
Al contrario que en la piedra, la técnica del fundida
permite al artista realizar figuras en movimiento,
como sucede en la también muy conocida obra del Zeus de Arte, misión.
El método directo de la fundición a la cera perdida sigue utilizándose
durante el Renacimiento, como muestran algunas otras obras de Donatello.
Otro tipo de obra de arte de la que podemos hacer un comentario
desde el punto de vista de la técnica, es la obra de arte arquitectónica.
Esther Alegre Carvajal
es profesora de Historia del Arte en la UNED y pertenece también
al equipo docente de la asignatura Técnicas y Medios Artísticos.
El ejemplo que ha elegido para ilustrarnos es la cúpula de Santa
María de las Flores, construida por Filippo Brunelleschi en Florencia.
En primer lugar diremos que Brunelleschi es un
arquitecto y un escultor italiano que nació en esta ciudad en Florencia,
y que junto a Donatello, Machaco o Alberti
es uno de los iniciadores
y de los artistas más importantes de este renacimiento.
Su obra, más conocida y más importante es, sin duda,
la cúpula de Santa María de las Flores.
La cúpula de Santa María de las Flores.
Suponía, ante todo, resolver un problema técnico
fundamental que era cubrir un espacio de más de 40 metros de diámetro.
Esto no se había conseguido desde que se construyó la cúpula de
El Panteón de Roma a lo largo de toda la Edad Media.
La técnica para construir una cúpula de estas dimensiones
se había perdido y sólo
en Santa Sofía
se había conseguido, a través de un sistema muy sofisticado,
volver a levantar una cúpula de estas dimensiones.
Para ello, en Florencia se
como concurso en 1418 que
ganó Brunelleschi y con el que se pretendía terminar
la catedral que estaba construida en parte en estilo gótico.
Por lo tanto, Brunelleschi no solamente tiene que resolver
el problema técnico de construir una cúpula de grandes dimensiones,
sino que lo tiene que hacer en un espacio acotado anteriormente,
es decir, en un en una fase constructiva anterior.
Se había construido lo que era el el tambor de la cúpula,
que era un tambor de octagonal de ocho lados.
Brunelleschi resuelve este problema
y construye al exterior una cúpula apuntada con ocho
nervios de mármol blanco y al interior construye una cúpula semi esférica.
Es decir, lo que hace es construir dos cúpulas, una en el interior.
Hemos dicho ya que es hemisférica y una en el exterior apuntada
de tal manera que los empujes de ambas bóvedas
recaigan directamente sobre el tambor de la misma.
Y de este pasen, digamos, a los muros
previamente construidos.
Hasta hace no mucho tiempo se había aceptado sin discusión
la tradición recogida por Vasari, según la cual
Brunel Sky había buscado la solución en las antiguas cúpulas romanas
y que había encontrado el secreto de los antiguos
en uno de sus viajes para el estudio de las ruinas como modelo
para la cúpula de Florencia, se citaba la del Panteón de Roma.
Sin embargo, hay que decir que la semejanza entre ambas cúpulas
sólo estriba en las dimensiones
de la misma, es decir, tienen prácticamente el mismo diámetro.
Pero el panteón de Roma está construido de una manera
absolutamente distinta.
Hay unos muros cilíndricos, unos enormes muros cilíndricos
que soportan de forma cilíndrica los empujes de
la inmensa cúpula del panteón.
En Florencia, como hemos dicho, Brunelleschi tiene que levantar
su cúpula sobre un tambor octogonal que viene determinado previamente.
Entonces, la construcción que realiza es bien distinta.
Lo hemos dicho ya.
Lo que hace es construir una
cúpula más baja, semi esférica en el interior,
que apoya directamente sobre el tambor y en el exterior
una cúpula de nervios apuntada que apoya
también directamente sobre el tambor.
Además, Brunelleschi lo que hace es bajar la cúpula interior.
Esto es una de sus grandes aportación constructivas, con grandes anillos
de madera que a su vez se van a sujetar con vigas de hierro
que actúan como grapas, de tal forma que la cúpula interior
está perfectamente sin brada, perfectamente
fijada y perfectamente sujeta.
Lo que
más asombro causó en el momento de su construcción
fue que no se usó el sistema tradicional de cimbra,
el armazón de madera sobre el que se construían los arcos y las bóvedas,
los arcos y las bóvedas se iban apoyando sobre ese armazón de madera.
Solamente cuando se llegaba a la cumbrera,
cuando se cerraba la cúpula o la bóveda,
entonces se desarmaba ese armazón de madera.
Brunelleschi no lo pudo utilizar porque las dimensiones de su cúpula
eran tan enormes que realmente no se sabía construir
unas cimbra de ese tamaño.
Entonces lo que hizo es utilizar andamiaje.
La cúpula se iba cerrando al tiempo que se iba construyendo.
Pero cómo se iba cerrando esa cúpula?
Pues utilizando unos materiales determinados utilizó ladrillos
colocados en forma de espina de pez.
Esto era una técnica romana.
Que Brunel es que sí que había obtenido y había estudiado
en sus viajes para el análisis de las de las ruinas romanas.
Los ladrillos iban colocados de forma diagonal, de tal manera
que de forma diagonal se podía ir cerrando ambas cúpulas a la vez,
hasta que llegó a una altura determinada en la que ya pudo arrancar
los nervios sin más y que llegara hasta la cumbrera,
por lo tanto, al exterior.
La cúpula de Brunelleschi está construida con ladrillos,
ladrillos macizos que se
que se cocieron delante
y bajo la supervisión del propio Brunelleschi,
y por esos nervios cubiertos de mármol,
porque los romanos, estos ladrillos siempre iban chapados con mármol.
Brunelleschi no dispuso de dinero suficiente para chapar toda la cúpula,
el mármol, pero sí que chapó los los nervios exteriores.
Por lo tanto, la
cúpula se compone al exterior de tres partes
en altura el tambor octogonal, en el cual se abren unos oculos
en cada uno de los lados que iluminan el interior.
La cúpula propiamente dicha construida
con esos ladrillos y esos nervios de mármol.
Y finalmente la linterna.
La linterna que es una aportación propia de Brunelleschi
y que se va a utilizar luego en muchas de las cúpulas.
Lo que se pretendía con ella era dar un punto de fuga a aportando
también, digamos a esta construcción los estudios de perspectiva.
Indudablemente la linterna da una mayor belleza,
una mayor ligereza y una mayor elegancia
que caracteriza, digamos, el perfil de la cúpula, que a su vez,
desde su construcción se ha convertido
en el símbolo de la ciudad de Florencia.
Jesús López Díaz nos explica ya para terminar,
cómo hacer el comentario
sobre las distintas técnicas empleadas por el artista
en los casos del dibujo, las artes industriales
y los nuevos medios usados en el arte contemporáneo.
En el dibujo lo importante en nuestro caso es conocer un poco
cuáles son los soportes y cuál ha sido la historia de esos soportes.
Y luego, sobre todo, conocer bien las principales técnicas.
Las técnicas tiene mucho que ver en un primer momento
con los instrumentos y es lo que describimos en el temario.
En el temario del libro base sobre sobre el dibujo, no lo que son puntas
metálicas, lo que son plumas, pinceles, carboncillos,
lápices, pasteles.
Algunos de estos dibujos es verdad que son reconocibles,
pero lo importante será que la que los alumnos conozcan la diferencia
que hay entre estas técnicas y un poquito de historia.
En qué período de la historia del arte son más o menos utilizados?
Y cuál es la importancia?
En el caso del dibujo, también la importancia que tuvo
en la preparación, en todo ese papel preparatorio.
Con el papel preparatorio nos referimos a la importancia
que ha tenido el dibujo en todas las técnicas artísticas.
Los bocetos preparatorios de muchos cuadros
en el tema de los tapices de los textiles,
y es una parte que estudiamos en ese temario, la importancia
que tiene para el resto de las técnicas, el dibujo.
Con las artes industriales nos pasa un poco algo similar al dibujo.
Claro que hay alguna serie de elementos de obras que son muy
fáciles de reconocer los azulejos de las vidrieras de una catedral.
Rápidamente sabremos ver que a lo que nos estamos refiriendo no?
Y habrá que ver si se pone una imagen.
Lógicamente es fácil de explicar en qué consiste la técnica,
aunque lógicamente no es esta la asignatura para reconocer,
aún hasta que no hayamos dado toda la historia del arte,
algunas de estas piezas, siempre nos referiremos a las imágenes
que hemos puesto en el libro.
En ese sentido no va a ser más complicado, no?
De todas maneras, tenemos un pequeño esquema
para el tema de las artes industriales.
En la página 320 del libro,
en el que damos unas
pequeñas pinceladas de cuáles son algunos de los aspectos.
Lo que pasa es que las artes industriales son tan diferentes.
Nosotros hablamos de las cerámicas,
porcelanas, piedras, maderas, vidrieras, joyería.
Que este esquema no es siempre aplicable al 100% de la letra.
En todas las artes industriales.
Aquí lo importante es igual.
Tener claro todas las técnicas
y luego dentro de cada técnica sabemos que hay diferentes formas.
Por ejemplo, en el tema del hierro,
en el tema del cristal, en el tema de las textiles,
que hay una serie de elementos también según va pasando
la historia, que van cambiando y que van avanzando,
y es importante que
los alumnos lo tengan en cuenta de cara a otras asignaturas
cuando se les diga que este es un tapiz del siglo 16 y no 17.
Entender que ha habido una población y saber un poco enmarcar la obra
para luego hacer el comentario artístico.
Pues con el arte contemporáneo, con los nuevos medios,
sobre todo lo que se produce en la segunda mitad del siglo 20,
hasta nuestros días pasa un poco igual, no?
Hay algunos elementos que van a aparecer
en otras asignaturas, que es los que debemos conocer
lo que es una performance, lo que es una instalación,
el tema del videoarte,
cómo han cambiado todos los soportes como, bueno,
la evolución que ha tenido el arte contemporáneo.
Y aquí lo importante es igual, saber utilizar bien estos términos,
porque es algo con lo que estamos conviviendo.